Autor: vogtg5@univie.ac.at

Andrea Szabo

Ruth Beckermanns Favoritenⁱ hat für begeisterte Gesichter bei der Eröffnung der Diagonale am 04.04.2024 gesorgt. Vielleicht zu begeistert? Die Dokumentation über die herzigen Grundschulkinder der größten Volksschule Wiens im zehnten Bezirk scheint zunächst ein leichtes Thema. Beckermann öffnet den Zuschauer*innen zwar nur eine Tür zum Klassenzimmer, auf den zweiten Blick jedoch eine Tür in eine ganz andere Welt, die so nah und doch so weit entfernt von uns liegt. Nämlich in der „lebenswertesten“ Stadt der Weltⁱⁱ – Wien. Und genau deshalb ist es so befremdlich eine so andere Seite der eigenen Stadt kennenzulernen. Ein Ort, an dem vermeintlich nicht nach den Spielregeln gespielt werden muss. Eine Schule, an der Bildung an zweiter Stelle steht.

Regisseurin Ruth Beckermann versucht in ihrer Dokumentation die Krise des österreichischen Bildungssystems und die Schwierigkeiten der migrierten Kinder, die kaum Deutsch sprechen, aufzudecken. Indem sich Beckermann phantomhaft hinter die Kamera zurückzieht, lässt sie den Alltag der Kinder für sich selbst sprechen. Hoffentlich muss das im Nachhinein auch keiner der Angehörigen bereuen…

Ruth Beckermann und ihr Kameramann Johannes Hammel begleiten die Kinder einer Grundschulklasse über einen Zeitraum von drei Jahren, und dennoch scheint lediglich die Oberfläche eines komplexen Problems berührt worden zu sein: einem bedauerlich schlechten Lehrplan und einer unsicheren Lehrerin gegenüberstehend die Tränen der Kinder in Close-ups. Ist das genug für eine Dokumentation? Ja und Nein. – Die Qualität der geäußerten Inhalte wurden stets vom Kamerateam beeinflusst. Vor allem aber, weil es Kinder schwer haben, sich vor der Kamera zu präsentieren. Die Aufnahmen scheinen überwiegend realitätsgetreu, doch merkt man schnell, dass die Kinder durch die Kamera auch verunsichert wirkten, vielleicht sogar unter Druck standen. Es wäre wichtig gewesen zu wissen, wie häufig das Kamerateam da war. Jeden einzelnen Schultag? Einmal die Woche? Oder nur einmal im Monat? Haben es bewusst nur polarisierende Szenen in den Schnitt geschafft? Umso essenzieller für die Glaubwürdigkeit der Aufnahmen wäre gewesen herauszufinden, wie sehr sich die Kinder dem Team fremd gefühlt haben. Beckermanns Dokumentation hat es trotz dieser Mängel geschafft, dem Publikum einen ganz persönlichen und hautnahen Zugang zu der Welt dieser Kinder zu verschaffen. Durch ihren Stil, sich selbst und die Kamera so gut es geht aus dem Vordergrund

zu halten, fühlte sich der Alltag echt und roh an. Auch, wenn nur wenig gezeigt wurde. Schließlich beschränkt sich unser Blick eigentlich nur auf das Klassenzimmer. Trotzdem bekommt man durch die Kamera das Gefühl, mit den Kindern zu spielen, zu lernen und zu leben. Camouflage-artig nimmt uns die Handkamera auf Augenhöhe mit durch den Alltag der Schüler*innen. Aber was bedeutet es, Kinder sprechen zu lassen?

Die Kinder des Favoriten sprechen für alle, die von ihrer Realität betroffen sind. Sie sprechen für die, die es schwer haben, sich in einer neuen Kultur zu etablieren. Sie sprechen für die, die vom österreichischen Bildungsstandard ausgegrenzt werden. Sie sprechen für die Lehrkräfte, Eltern und schließlich für sich selbst. Somit ist Beckermanns Dokumentarstil in der Art und Weise, wie sie mit ihrer Stimme das Unkonventionelle sprechen lässt, bemerkenswert.

Aber es wäre falsch, sich von ihrer unschuldigen Kunst blenden zu lassen. Als Zeug*innen ihres Werks muss realisiert werden, dass die Videobeiträge für die Kinder nichts anderes als ein Spiel gewesen sind. Nur leider kommt dieses Spiel mit der Folge der öffentlichen Darbietung. Klar ist es wichtig und richtig, Klarheit über die alltägliche Realität der Kinder zu schaffen, deren Privileg es nicht ist, fließend Lesen und Schreiben zu lernen, mit der Hoffnung, ihnen eines Tages eine bessere integrierte Zukunft zu schenken. Die Geschichte und Realität der Kinder des Favoriten aus hautnahen Quellen zu hören, wäre ein Privileg. Da sich das die Betroffenen wie so oft nicht leisten können, bleibt dies weiterhin eine Wunschvorstellung, die in den privilegierten Händen Beckermanns ruhen darf. Wie würden Dokumentationen aussehen, wenn sie nicht von privilegierten Stimmen, sondern stattdessen von Betroffenen direkt geschaffen werden? Vielleicht sind genau diese Machtstrukturen analysebedürftiger denn je. Doch eins muss man der Dokumentation lassen: Wir sehen endlich die Schwächen und Sorgen der Schüler*innen und Wegschauen bleibt keine Option mehr. Doch Kinder so vorzuführen und sich dafür Preise einzusammeln kann genauso moralisch fragwürdig eingestuft werden, auch, wenn die Absicht Beckermanns eine andere war.

Ist es in Ordnung, Kinder nach ihrer Positionierung zum Ukrainekrieg zu befragen? Kinder so früh in die Politik miteinzubeziehen ist gar nicht so verkehrt. Es ist großartig zu sehen, dass die Lehrkraft versucht, den Kindern zu vermitteln, dass sie auch ein Stimmrecht haben und selbst Stellung beziehen müssen in unserer Welt. Noch schöner ist es, den Kindern dabei zuschauen zu dürfen, wie sie dazu angeregt werden, über Gleichberechtigung und hegemoniale Machtstrukturen zu reflektieren und sie zu durchbrechen. Es ist interessant zu beobachten, wie dabei Erlerntes aus der eigenen Kultur und Erziehung mit den Werten und Normen der

österreichischen Kultur kollidiert. Dabei wird dem Publikum die eigene Schulzeit ins Gedächtnis gerufen. Während die Frage danach, ob „Frauen Bikinis tragen dürften“ früher nicht im Bildungsraum diskutiert wurde, steht diese und noch ähnliche Fragen heute immer häufiger im Vordergrund. Ob die Lehrkraft dafür überhaupt ausgebildet ist, ist fraglich. Aber wenn sie tagtäglich mit kritischen Inhalten konfrontiert wird, bleibt einem keine andere Wahl (solange kein entsprechendes Schulfach etabliert wird), als die Schüler*innen selbstständig aufzuklären. Eine zentrale Frage, die sich in Beckermanns Dokumentation erkennen lässt: Bis wohin reicht die Verantwortung des Schulsystems? Die Fragen häufen sich und es ist klar, dass die Dokumentation genau das bewirken wollte.

Beckermann scheint auf den ersten Blick einen ausgewogenen Einblick in das Leben der Schüler*innen und der Lehrerin zu bieten. Doch eigentlich liegt das Hauptaugenmerk hauptsächlich auf den Kindern, die ständig neuen Herausforderungen ausgeliefert sind. Dass sich die Lehrkraft mit dem Lehren schwertut, ist schon ein Statement über das Bildungssystem selbst. Doch wäre es schön gewesen, auch ihre Perspektive anhand von ausführlichen Interviews zu Gesicht zu bekommen. Die Dokumentation schenkt uns zwar einen allgemeinen Überblick darüber, wie es an allen Ecken brennt, doch wäre es genau deshalb umso wichtiger gewesen, mehr Fragen zu stellen. Aber vielleicht ist es genau dieser künstlerische Stil Beckermanns, der es zulässt, sich die Frage zu stellen, wo man denn überhaupt als Stadt anfangen sollte. Fragen zu stellen, die ohne die Aufnahmen vielleicht nie aufgekommen wären. Ein Lösungsansatz wird nicht geboten. Ob das in einer Dokumentation notwendig ist? Nein, auf gar keinen Fall. Vor allem, wenn sich die Fragen erst im Verlaufe des Dokumentierten entfalten, auf die es noch keine Antwort gibt.

Diese Szene kennen wir alle: Die Klasse soll sich heute besonders gut benehmen und fleißig mitarbeiten, da der/die Lehrer*in in der heutigen Stunde von der Schulleitung einer Lehrprobe unterzogen wird. Das hat den Effekt, dass die Schüler*innen unter der Aufsicht der Schulleitung und der Bitte der zu prüfenden Lehrkraft, Leistungen erbringen, die außerhalb dieser Umstände eine untypische und ja, vielleicht sogar verzerrte Reflexion der Schüler*innen ist. Könnte ein Kamerateam denn nicht auch eine ähnliche Wirkung gehabt haben?

Es ist fragwürdig, Kinder so verletzlich zu zeigen und ihnen so nahe zu treten. Hatten sie denn überhaupt die Chance, sie selbst zu sein? Dass Kinder im Netz tabu sein sollten, ist doch kaum zu debattieren. Zwischen sieben und zehn Jahren kann man nicht behaupten, reif und

selbstständig genug zu sein, um bewusste Entscheidungen treffen zu können. Und genauso, wie es kritisch ist es, seine Kinder für Inhalte auf YouTube, Instagram und Facebook zu posten, sollte genauso darauf aufmerksam gemacht und reflektiert werden, weshalb Kinder für diese Dokumentation aufgenommen werden mussten. Es ist klar und deutlich, worauf Beckermann aufmerksam machen will – auf die Probleme der Integration migrierter Familien und Kinder; auf die mangelnden Beihilfen der Schulsysteme, diese Kinder auszubilden; und auf den schlechten Lehrplan und die mangelnden Lehrkräfte. – Doch ein Aspekt scheint bei Beckermanns Doku unterzugehen und gleichzeitig eine unausweichliche Konsequenz zu sein: Denn es ist bösartig, Familien, die kaum deutsch sprechen, einen Vertrag vorzuhalten, um ihre Kinder drei Jahre lang dokumentieren zu dürfen und ihre Bildung zu beeinflussen. Und das alles nur, um die Eltern im Kinosessel versinken zu lassen, weil sie bemerken, dass die kritischen Aussagen ihrer Kinder für immer im Netz bleiben. Das Konzept, dieser Realität so nahe treten zu wollen, ist leicht gedacht ein unfassbarer Eindruck. Vielleicht hätte eine Dokumentation mit Voiceovers keinen so starken Eindruck hinterlassen. Schade nur um die Aussagen der Kinder. Denn diese werden mit wenig Pech ihr weiteres Leben bestimmen, während Beckermann auf dem nächsten Filmfestival absahnt.

ⁱ Favoriten, R.: Ruth Beckermann, AT 2024.

ⁱⁱ Stadt Wien, „Lebensqualität – Wien ist und bleibt Nummer eins”, Wien-gv.at, https://www.wien.gv.at/politik/international/vergleich/mercerstudie.html#:~:text=2023%20wurde%20Wien%20 erneut%20von,(Neuseeland)%20auf%20Platz%203, 21. 06. 2024.

Anja Linhart

Wie weit darf Kunst gehen und wer behält in dieser Frage die Oberhand – die Muse oder doch der Künstler? Was passiert, wenn dieses Verhältnis zu bröckeln beginnt und der Drang nach Selbstverwirklichung plötzlich über Allem steht? Es ist ein breites Spannungsfeld zwischen Privileg und Fetischisierung, Kritik und Selbstinszenierung, in das die österreichische Regisseurin Elena Wolff mit ihrem zweiten, queer-feministischen Langspielfilm Asche eintaucht.

Episodisch erzählt Asche von drei unterschiedlichen Paaren, die allesamt Teil der Linzer Kunstszene sind, und von einem Außenseiter, der nicht in diese poppig erstrahlende Welt hineinzupassen scheint. Simeon (Thomas Schubert) verkörpert das klassische Bild eines narzisstischen Alpha-Manns und ist außerdem Künstler. Seine deplatzierten Tattoos und fragwürdigen Outfits sowie seine Art und Weise sich in Szene zu setzen, unterstreichen die Überspitzung, von der Asche lebt. SIE (Elena Wolff), deren richtiger Name niemand wirklich kennt, steht in einer überaus körperlich-konzentrierten Beziehung zu Simeon, ist seine künstlerische Muse, seine Inspiration, seine Lulu. Als Model und eher semi-erfolgreiche Künstlerin steht sie in der Hierarchie unter ihm, und das gibt er ihr deutlich zu spüren. Dieser offenen und vor allem toxischen Beziehung stehen zwei weitere Paare gegenüber, die sich durch ihr monogames Leben und einer sinnlich-liebevollen Dynamik zumindest zu Beginn davon unterscheiden. Es ist vor allem der Drang nach Selbstverwirklichung, der krampfhafte Druck das eigene Ego zu pushen und konsequenzlos einen Berg aus Schutt und Asche zurückzulassen, der die verschiedenen Protagonist*innen vereint.

Wolff kreiert mit Asche eine durch und durch künstliche Welt, die bunt, schrill und laut ist. Eine solche Künstlichkeit spiegelt sich zum einen in den einzelnen Charakteren wieder, deren extravagante Kostüme und das mit Strasssteinen verzierte Make-Up stark an eine Ästhetik à la Euphoria erinnern. Mit Bibizas Worten „Ich spür nix, aber hab ein gutes Outfit“ wird auch auf der Tonebene nochmal auf die Statushaftigkeit des äußerlichen Erscheinungsbildes hingewiesen. Auf der anderen Seite heben vor allem aber die Farbgestaltung und das Framing noch einmal deutlich den Aspekt der Künstlichkeit hervor.

Es ist außerdem das klassische Bild einer privilegierten Wohlstandsgesellschaft, das Wolff in ihrem Film präsentiert – Leben im Überfluss, ohne jegliche Konsequenzen. Durch die Überspitzung seiner Charaktere und einer Menge Selbstironie versucht Asche eben dieses System zu kritisieren und nimmt Themen wie das Patriarchat, Genderstereotype und Klischees in den Blick. Auch Fragen nach der Figuration von Männlichkeit oder dem Wert von Kunst schwingen in der Story mit. Genau hierin liegt jedoch leider auch die Krux: Asche erzählt seine vermeintlichen Leitthemen nur mit, konzentriert sich inhaltlich vielmehr auf seine exzessiven Drogenrauschs und Szenen der Körperlichkeit. Die für den Film wichtigen, tieferreichenden Gespräche über Klasse oder patriarchale Strukturen werden, sobald sie begonnen wurden, im nächsten Augenblick auch schon wieder durch Szenen des Rauschs, des Exzesses oder körperlicher Lust überschattet. Hinzu kommt, dass die Absurdität einiger Szenen den Film etwas ziellos scheinen lässt und gleichzeitig eine Art Fetischisierung vorgenommen wird – Stichwort Nekrophilie (an dieser Stelle lässt es sich nicht vermeiden die schauspielerische Leistung von Selina Graf als Anna positiv hervorzuheben, die sich ihrer Rolle als Nekrophile mit einer regelrechten Selbstverständlichkeit und Leichtigkeit nähert). Das Ende des Films lässt abschließend ein Fragezeichen zurück – man weiß dieses Vampir-Gelage nicht so recht einzuordnen, es fügt sich nicht wirklich dem Rest des Films. Wenn man privilegiert ist kann man tun und lassen, was man will, jemanden umbringen und sich dafür auf einer öffentlichen Kunstausstellung feiern lassen, ganz nach dem Motto: „kein Problem, das System steht hinter dir“. Mit diesem Eindruck entlässt Asche sein Publikum schließlich aus dem Kino. Die lautstarke Kritik an der Privilegiertheit, welche die Satire verspricht kommt leider zu kurz, wird überschattet von blutiger Perfomancekunst, Koks und Sex mit einer Leiche.

Janis Steinhöfler                                                                                                  

Filmstill Asche (Sixpackfilm)

Sie sitzen hier in ASCHE – so beginnt die Anmoderation des neuen Spielfilms von Elena Wolff.¹ Nicht nur saßen wir kollektiv in einem Kinosaal, in welchem, sobald das Licht ausgeht, der Film ASCHE gespielt werden würde, nein, wir saßen auch metaphorisch in Asche, so wie die Charaktere im Film.

In ihrem* neuen Film greift die Regisseurin* Elena Wolff auf selbstironische Weise die (Wiener) Kunstszene auf. Eine Künstlerin, die sich mit ihrer Kunst entfalten will, ein selbstverliebter pseudofeministischer Künstler, ein halb glückliches, halb unglückliches lesbisches Paar aus zwei Performerinnen und eine nekrophile Frau bilden hierbei die zentralen Figuren. Dabei verkörpert der Freund der Protagonistin vermutlich am besten, was man sich vorstellt, wenn man „Wiener Kunstszene“ hört. Er ist selbsternannter Feminist. Doch natürlich nicht nur, um die Beziehung zur Protagonistin, unter dem Deckmantel des „wir geben uns keinen patriarchalen Vorstellungen einer Beziehung hin“ auf seiner Seite offenzuhalten. Zudem ist er ein bekannter Fotograf, seine Lieblingsmotive natürlich kaum volljährige nackte Frauen.

Die Protagonistin sieht sich dabei in der Rolle der Muse gefangen. Sie hat weder einen Namen, noch wird sie für etwas anderes außer ihrer Rolle als Muse wahrgenommen. Ihr gegebener, künstlerischer Name „Lulu“ soll dabei die Verbindung zur Figur der Lolita unterstreichen. Dies wird auch auf einer symbolischen Ebene vermittelt, indem man unter anderem das Buch Lolita in der Wohnung der Protagonistin finden kann. Sie möchte aus dieser objektifizierenden Rolle ausbrechen. Sie möchte nicht länger ausgebeutet werden. Sie möchte selbst an die Macht. Macht, die sie am Ende auch nicht glücklich stellt. Denn sie bemerkt, dass auch das vermeintliche Umdrehen der Machtposition, nicht das eigentliche Problem beseitigt – der Geltungsdrang aller privilegierten pseudo-feministischen Künstler*innen und das gesamte System, welches sich dahinter versteckt. Alles ist schmutzig und verschmutzend wie Asche.

Auch die Optik des Films bezieht sich auf eben diese Kunstszene, welche die Regisseurin* damit überspitz darstellen möchte. Dabei erinnern Kostüm und Make-up an Drama-Serien wie Euphoria, die auf ähnliche Art die Selbstdarstellung der jüngeren Generation nachbilden. Viel Glitzer, bunte Farben, knappe Tops und lange, schrille – und vermutlich sehr teure – Nägel. Durch diesen Exzess wird aber nicht nur die vermeintliche Individualität der Charaktere ausgedrückt. Er zeigt uns zudem, ähnlich wie die großen Wohnungen mit Ausblick über ganz Wien, erneut, wie wohlhabend die Charaktere sind und unterstreicht ihre privilegierte Position.

Darüber hinaus entsteht durch Make-up und Kostüm im Zusammenhang mit der Musik eine Ebene der Künstlichkeit. Hört man Lieder, in welchen es um Drogenkonsum und coole Outfits geht, beschreiben diese das Geschehen im Film und heben dadurch eine gewisse Performativität hervor. Performer*innen und Künstler*innen, die Songs über Drogen hören, während sie selbst Drogen nehmen.

Doch diese Ebene wird nicht nur durch die Musik erzeugt, sondern auch von den Monologen und Dialogen unterstützt. Die Sprache befindet sich in einem konstanten Wechsel zwischen Aussagen, die aus Poetry-Slam Texten stammen könnten, und Unsicherheiten, die durch Wiederholungen und Füllwörter ausgedrückt werden.

Auch durch die Kamera wird eine solche Künstlichkeit konstruiert. Die Kamerafrau Nora Einwaller spielt dabei mit verschiedenen Perspektiven und verkanteten Aufnahmen. Dabei sticht vor allem die erste Szene ins Auge. Durch einen POV-Shot befindet sich die Zuschauerschaft in der Rolle der Protagonistin, die gerade von einem Ex-Liebhaber bedroht und angegriffen wird. Dies unterstreicht bereits das Thema der toxischen Männlichkeit und die Problematik von Hierarchien, welche zentrale Themen des Filmes sind. Im Gegensatz dazu, endet der Film mit einer Einstellung, in welcher wir auf die Protagonistin hinabblicken.

Durch die Selbstironie und selbstreflektierte Art der Regisseurin* und des gesamten Teams schafft es ASCHE somit auf eine künstlerische Weise, die Künstler*innen Szene zu kritisieren und die Oberflächlichkeit dieses Bereichs darzulegen.

1. Elena Wolff benutzt die Pronomen they/them und im Deutschen sie*/ihr* ↩︎

Filmkritik zu den Filmen Funny Games (1977) und dem US-Remake Funny Games (2007)

von Anja Mollnhuber

Was wollen wir im Kino, in Filmen sehen?

Die Diagonale 2022 in Graz geht mit den beiden Filmen Funny Games (1977) und dessen US-Remake Funny Games (2007), beide von Michael Haneke, in die letzte Runde. Sie werden anlässlich von Michael Hanekes 80. Geburtstag im Schubertkino gespielt. Zwei als Psychothriller gekennzeichnete Werke, die zusammen mit einer Spieldauer von über drei Stunden einen halben Nachmittag füllen.¹ Sehenswert?

Die kleine Ansprache der Moderatorin, die das anwesende Publikum in die nächsten Stunden einleitet, wird vielleicht jene irritieren, denen der Name Michael Haneke bisher nichts gesagt hat. So manch eine*r könnte auch in Zweifel geraten, ob die Entscheidung zu diesem Kinobesuch eine gute war. Ziel der Rede, so scheint es, ist nicht nur die Vermittlung von Hintergrundinformationen zu den Filmen, sondern auch, die Zuschauer*innen auf das Kommende vorzubereiten bzw. davor zu warnen. Besonders deutlich geht die Moderatorin dabei auf die gespaltenen Reaktionen des Publikums in der Vergangenheit ein. Zu diesen zählten unter anderem Schock und Verstörung, manche erlebten das Filmmaterial laut ihr „wie eine Vergewaltigung“. Michael Hanekes Ziel sei es, so erklärt die Dame noch, der Glorifizierung von Gewalt in den Filmen entgegenzuwirken, indem er diese mit extremer Gewalt in seinen Filmen bekämpft.

Diese Einleitung führt dazu, dass mehrere Personen bereits zu Beginn des Films, aber auch unterdessen den Saal verlassen – eine ungewöhnliche Situation, denn schließlich wurde der Film trotz allem als Psychothriller ausgeschrieben und war dementsprechend an Menschen adressiert, die dieses Genre kennen. Der Rest des Publikums hat wohl trotz vorheriger Warnung beschlossen, abzuwarten und erst einmal zu schauen, im wahrsten Sinne des Wortes.

Der erste Film beginnt mit der Anreise einer Familie zu ihrem Ferienwohnhaus am See in schöner Natur. Im Auto sitzen Mutter Anna, Vater Georg und Sohn Schorschi im Kindesalter sowie ihr Hund. Auf dem Weg fallen ihnen zwei junge Männer auf, die neu in der der Familie vertrauten Nachbarschaft sind. Kaum angekommen, bekommt die Familie bereits Besuch. Einer der jungen Männer, Paul, möchte Eier für die Nachbarin holen und sein Freund, Peter, nur kurz den Golfschläger der Familie testen. Ein Vorwand, der den beiden Zutritt zum Haus verschafft und ihnen gewährt, ihre sadistisch-tödlichen Spiele an der Familie auszulassen. Jegliche Versuche der Gegenwehr und der Flucht scheitern, bis auch das letzte Familienmitglied den Männern zum Opfer fällt. Doch Paul und Peter haben schon Pläne, mit wem sie als Nächstes spielen wollen…

30 Jahre liegen zwischen den gleichnamigen Filmen – eine lange Zeit, doch verändert hat sich nicht so viel. Einstellung für Einstellung wurde identisch nachgestellt, das Setting so ähnlich wie möglich nachrekonstruiert – von der Kleidung bis zur Küchenausstattung. Auch inhaltlich und sprachlich fallen kaum Differenzen auf. Was Funny Games (1977) von Funny Games (2007) hauptsächlich unterscheidet, ist die Besetzung.

Die Schauspielerinnen und Schauspieler leisten gute Arbeit in beiden Filmen, die schockieren wollen. Gefühle, wie die im Laufe der Filme sich immer mehr ausbreitende Verzweiflung werden meist sehr authentisch vermittelt und auch die Rollen der Sadisten mit ihrer Kälte, die von Zynismus und Häme durchtränkt ist, wurden hervorragend besetzt. Im österreichischen Film von 1977 spielen Susanne Lothar (Anna), Ulrich Mühe (Georg), Arno Frisch (Paul), Frank Giering (Peter) und Stefan Clapczynsk (Schorschi).² Beim US-Remake sind die Hauptrollen an Naomi Watts (Anna), Tim Roth (George), Michael Pitt (Paul), Brady Corbet (Peter) und Devon Gearhart (Georgie) verteilt.³

Warum gehen wir ins Kino, um uns mit Horrorfilmen und Psychothrillern zu konfrontieren? Was bewegt uns zu diesen Themen, worin liegt der Reiz?

Fernab der Wirklichkeit

Auffallend im Plot sind mehrere Situationen, die unglaubwürdig erscheinen. Dies beginnt bereits damit, als Anna von Peter mit dem Spiel „Kälter-Wärmer“ zu ihrem ermordeten Hund geführt wird. Zwar weiß Anna, dass Paul mit ihrer Familie im Haus auf sie wartet, jedoch unternimmt sie keinen einzigen Versuch, sich gegen Peter zu wehren, obwohl er in einigem Abstand hinter ihr geht. Selbst als die Nachbarn vorbeischauen, drei erwachsene Personen, bekommen diese von ihr keine Anzeichen, dass Anna und ihre Familie in Gefahr sind. Stattdessen spielt die Mutter brav bei Peters Geplänkel mit. Diese Passivität auf Seiten der Familie zieht sich durch die gesamte Handlung und erscheint als fragwürdig. Zwar werden Versuche unternommen, dem Treiben der Jungs ein Ende zu setzen, jedoch nur mit mäßiger Anstrengung. Begründet werden könnte es vielleicht mit dem Schock, von zwei Männern in weißen Handschuhen, über deren Sinnlosigkeit sich zu Beginn niemand wundert, wie aus dem Nichts grundlos gefoltert zu werden. Dabei bestehen die Sadisten auf übertriebene Höflichkeit und verlangen, dass sich alle an die grauenvollen Spielregeln ihrer „Funny Games“ halten. Die Achtung auf diese überspitzten Umgangsformen angesichts der Taten der zwei Männer erscheint grotesk, jedoch passt sie perfekt in das Bild eines Psychopathen ohne Empathie, der ein Faible für Golfbälle hat.

Doch nicht alles entzieht sich dem Gefühl des Realen, der Wirklichkeitsnähe…

Dem Albtraum so nah

Die Handlung spielt an einem Ort der Erholung – ein ruhiges, einladendes Urlaubsziel in der Natur, wo ein entspannter Sommer genossen werden könnte – und an dem es schwerfällt, sich vorzustellen, dass dort etwas Böses lauert. Die Familienmitglieder sind sympathische Charaktere, mit denen sich das Publikum einfach identifizieren kann. Außerdem verzichtet der Film gänzlich auf Special Effects oder unübliche Einsätze von Licht, wodurch der Film greifbar und nicht künstlich wirkt. Auch die düstere Musik wird sehr sparsam eingesetzt und dadurch verbleibt das Geschehen in einer Art „akustischem Realismus“, so als würde das Ganze im wirklichen Leben stattfinden. Hinzu kommt die Wahl der Geschwindigkeit. Quälend langsam zieht sich der Film und zwingt die Familie ebenso wie das Publikum, im sadistischen Terror zu verweilen und sich der immer hoffnungsloser werdenden Lage nicht entziehen zu können.

Das Grauen in Michael Hanekes beiden Werken liegt jedoch insbesondere an dem Verbrechen an der (kindlichen) Unschuld. Nicht nur, dass einer unbescholtenen Familie von unbekannten Männern, die selbst fast noch Jungen sind, grundlos und aus rein teuflischer Freude Abscheuliches zugefügt wird, ist ein Beispiel dessen. Zu den Opfern der eiskalten Täter zählen ein Kind, Schorschi, und ein Tier, der Familienhund, welche beide stark mit dem Begriff der Unschuld verbunden werden. Manifest wird das Kindliche, Unschuldige aber wohl am deutlichsten in der abartigen Perversion der Kinderspiele, den „Funny Games“. Diese Spiele kennen die meisten der Zuschauer*innen noch aus der eigenen Kindheit oder vom eigenen Nachwuchs und sind für viele zu einer schönen Erinnerung geworden. Hier werden die Spiele der Unschuldigen zu einem mörderischen Kampf um das Leben – das eigene sowie das der Liebsten.

Das wahre Erschaudern bei „Funny Games“

Abseits dieser Ambivalenz hinsichtlich des Wirklichkeitsbezugs besitzen beide Filme eine wertvolle Besonderheit, die sie von anderen Filmen ihres Genres stark unterscheidet – sie richten sich direkt an das Publikum. So zwinkert uns einer der Sadisten zu und fragt uns, ob wir bereits genug an Gewalt haben oder nach mehr verlangen. Er zeigt uns sogar eine Alternativversion mit einer Chance für die Familie, die jedoch zurückgespult wird und der restlichen Tragödie weicht. Vielleicht geht es im Grunde nicht darum, den häufigen Wunsch nach realistischer Logik auf der Leinwand zu stillen. Vielmehr sind Michael Hanekes „Funny Games“ als Kritik an dem Maß von Gewalt zu sehen, welches wir Massen- und Unterhaltungsmedien wie dem Film zuführen.

Neben der (Un)glaubwürdigkeit, die die Filme vermitteln, erreicht diese Interaktivität vielleicht die von Michael Haneke gewünschte Selbstreflexion und Erkenntnis bei den Konsument*innen. Zurück bleibt auf jeden Fall eine beklommene Stimmung, das Gesehene muss noch verarbeitet werden. Statt einem genussvollen Zusehen wird über Stunden versucht, auszuhalten, was auf der Leinwand passiert, oder es wird auf die zweite Option zurückgegriffen, das Verlassen des Kinosaals. „Funny Games“ versetzen in einen Zustand des Entsetzens, des Schocks und der Schwermut. Bevor sich also damit beschäftigt wird, sollten schon mal ein paar der stärkeren Nerven zusammengekratzt werden.

Um also noch einmal zurück auf die zu Beginn gestellte Frage zu kommen: Es wäre, genauso wie damals vor 15 bzw. 45 Jahren, sinnvoll, die Sehgewohnheiten der Gesellschaft wieder stärker zu reflektieren und zu entscheiden, was gezeigt werden soll und was eben nicht. Liegt es nicht auch an unseren Vorlieben, an unserer Schaulust, welche Bilder wir schlussendlich zu Gesicht bekommen? Wie soll mit der Darstellung, dem Aufgreifen von Gewalt in Unterhaltungsmedien umgegangen werden? Ob Hanekes Weg hierfür eine konstruktive Lösung ist, muss schließlich jede*r für sich selbst entscheiden.

1 Vgl. Diagonale, “Funny Games”, Diagonale, O.A, https://www.diagonale.at/filme-a-z/?ftopic=finfo&fid=11294, 29.04.2022. und Diagonale,“Funny Games U.S.”, Diagonale, O.A., https://www.diagonale.at/filme-a-z/?ftopic=finfo&fid=11295, 29.04.2022.

2 Vgl. Diagonale, “Funny Games”, Diagonale, O.A, https://www.diagonale.at/filme-a-z/?ftopic=finfo&fid=11294, 29.04.2022.

3 Vgl. IMDb, “Funny Games”, IMDb, O.A., https://www.imdb.com/title/tt0808279/, 29.04.2022. 

Bibliografie

Erzählungen der Dame, die die Einleitung für die Filme am 10.04.2022 im Schubertkino hielt

Internet

Diagonale, “Funny Games”, Diagonale, O.A, https://www.diagonale.at/filme-a- z/?ftopic=finfo&fid=11294, 29.04.2022.

Diagonale, “Funny Games U.S.”, Diagonale, O.A., https://www.diagonale.at/filme-a- z/?ftopic=finfo&fid=11295, 29.04.2022.

IMDb, “Funny Games”, IMDb, O.A., https://www.imdb.com/title/tt0808279/, 29.04.2022.

Die Totenschmecker – Filmkritik von Tobit Rohner

Noch unter dem Arbeitstitel Blutrausch wurde nähe Kitzbühel ein österreichischer Film gedreht, der dann 1979 betitelt als Die Totenschmecker den Weg ins Kino fand. Aufgrund des ausbleibenden Erfolgs wurde er allerdings zurückgezogen und erneut veröffentlicht, diesmal beworben als Das Tal der Gesetzlosen. Abermals erfolglos – Doch man bleibt hartnäckig. Der dritte Anlauf Der Irre vom Zombiehof versuchte nun Monsterfans anzulocken, doch scheiterte er ebenfalls. Daran festhaltend, es läge am Titel, verirrte sich der Film, nun Das Mädchen vom Hof genannt, in das ZDF, als handle es sich dabei um ein klassisches Heimatdrama. Wie generisch die Titel gewählt sind, so fällt auch der Inhalt aus. Und nein, weder Unmengen an Kunstblut, Kannibalismus, Westernbanditen oder Untote finden ihren suggerierten Auftritt. Vielmehr erscheint Die Totenschmecker wie ein typisches Produkt seiner Zeit. Man könnte ihn beschreiben als österreichischen Exploitation-Film des 70er Jahre-Slasher-Kinos, der hinter einer unschuldigen Heimatfilm-Fassade lauert. Regie führte Ernst R. von Theumer – selbstverständlich auch unter anderen Namen, nämlich dem Pseudonym Richard Jackson. Man bleibt seinem Werk ja treu. Der genaue Verbleib Theumers ist heute unbekannt.

Die Handlung spielt in den Alpen, auf dem Hof eines verwitweten Altbauern und seiner drei Söhne. Der Älteste, der Erbe, lebt als einziger mit Frau und Tochter, der Zweitgeborene arbeitet im Dorf und der Jüngste, mental beeinträchtigt und in der Scheune isoliert, wird wie ein Vieh behandelt. Und eben jener vergreift sich an einer Nomadin (im Film ‚Zigeuner‘ genannt), die den Hof besucht. Die übrigen Mitglieder der Bauernfamilie sind erpicht darauf, den Anschein, ein gutes Leben zu führen, zu wahren. Die logische Schlussfolgerung daraus: Die Leiche vertuschen, anschließend die gesamte nomadische Gruppe auslöschen und jegliche Beweise für deren Existenz vernichten. Das ist der Kern der Geschichte. Und so nebenbei gibt es auch eine jugendliche Liebesbeziehung, ganz nach Romeo und Julia, zwischen der Bauerstochter Anna und dem Nomaden Joschka, der übrigens Violine spielt, als hätte er ziemlich oft und sehr begeistert Spiel mir das Lied vom Tod gesehen. Dann taucht noch die verwitwete Großmutter von Anna auf, welche überall böse Omen vermutet, und zum Schluss vergewaltigt der ‚Irre‘ auch noch Annas Mutter. Im Laufe des Films werden multiple Nebenstränge geöffnet, die durchaus Potential innehalten, allerdings keinen runden Schluss finden, sondern wie abgetrennt verwahrlost werden. ‚Kill Your Darlings‘ im anderen Sinne. Die Darsteller:innen verkörpern ihre Rollen auf trockene Art und Weise, die einen ebenso trockenen Humor entstehen lässt, was zu der ebenfalls trockenen Beiläufigkeit der Morde passt. Dabei sind die Tötungen selbst so seltsam inszeniert, dass man sie entweder nicht mal als Tötung identifiziert oder aber sich über die Sinnhaftigkeit der Darstellung wundert. Es lässt sich also festhalten: Bei Die Totenschmecker handelt es sich um einen regelrechten Trash-Film. Den ambivalenten Unterhaltungswert findet man in der billigen Produktionsweise und der unerklärlichen Inszenierung. Das geschieht mit einer solchen Selbstverständlichkeit, dass man diskutieren könnte, ob der Begriff des ‚camp‘ – dem bewussten Widerstand gegen normativer Ästhetik – für diesen Film anwendbar wäre.

Inwiefern bestimmte Haltungen von den Filmschaffenden beabsichtigt sind oder lediglich die Verfremdung des Vertrauten angepeilt wird, sei dahingestellt, aber Die Totenschmecker weist durchaus kritische Tendenzen auf. Verortet man den Film im Slasher-Genre, erkennt man einige Parallelen zum US-amerikanischen The Texas Chain Saw Massacre von 1974. So findet sich nicht nur ein Slasher-Killer vor, sondern gleich eine ganze Familie von Leuten, die bereit sind, das Mordbeil zu schwingen. Im Gegensatz zur texanischen Familie herrscht hier kein Sadismus. Stattdessen eine nüchterne Notwendigkeit die Illusion eines Selbstbildes nach außen zu bewahren. Zumal bietet der Film genügend Interpretationsspielraum, um darüber zu streiten, ob der jüngste Bauerssohn, der einem Monster-Killer am nächsten kommt, böse geboren (wie etwa die Horror-Ikone Michael Myers) oder vielmehr durch die diskriminierende Außenwelt der Familie sozialisiert wurde. Durch die mordende Familie, verkörpert von archetypischen Bauernfiguren, wird zumal eine Dekonstruktion des verschönernden Heimatfilms angezielt. Natürlich werden farbenfrohe Landschaftseinstellungen von den Alpen – typische Merkmale des Heimatfilms – gezeigt, denen aber durch die Gräueltaten eine Bedrohlichkeit hinzugefügt wird. Die Frage nach der Bedeutung von Heimat wird neu gestellt. Der Heimatsbegriffs erhält dadurch eine nicht zu vergessene Bedeutung der Gefahr. Gerade in xenophobischen Kulturkreisen ist die Frage zu stellen: Was bedeutet Heimat für die Fremden, die Außenstehenden und Heimatlosen? Für jene, die auf Heimat verzichten oder dazu gezwungen sind, die Heimat zu verlassen? Betrachtet man die Struktur, wie die mordbereite Bauernfamilie aufgebaut ist, so fallen starke Machthierarchien auf. Dem ältesten Sohn wird aufgrund seiner Erstgeburt das Erbe des Hofes rechtmäßig zugestanden, doch hält der Vater trotz seines hohen Alters an seiner Machtposition fest und möchte seinen Status, die Leitung des Bauernhofes, nicht abtreten. Von den Söhnen wird der Vater als autoritäre Instanz nicht kritisiert, dadurch machen sich natürlich absolute Machthierarchien bemerkbar, die an patriarchale, monarchische Strukturen erinnern. Die Bauern in Die Totenschmecker versuchen die Ermordung der Nomad:innen zu vertuschen, denn immerhin würde die Offenlegung auch die ideologisch-begründete Illusion der Natürlichkeit ihres patriarchalen Machtsystems bedrohen. Aber das ‚Eindringen‘ von außen braucht es nicht mal. Der Vater muss ins Krankenhaus eingeliefert werden, die Macht verbleibt beim Ältesten. Anfangs scheint die Hierarchie klar, doch endet der Konflikt zwischen den ältesten Söhnen darin, dass sie sich nach getaner Arbeit gegenseitig massakrieren. Die Struktur ungleicher Machtverhältnisse bricht ohne Autorität zwangsweise in sich zusammen.

Die Totenschmecker beherbergt Qualitäten in sich, die sich von Konventionen abwenden – im formal ästhetischen und inhaltlichen Sinne. Dadurch hat der Film natürlich Schwierigkeiten seine Zielgruppe zu finden, was sich unschwer in der Vielzahl an Titel erkennen lässt. Kein Wunder, dass er in der Filmgeschichte untergegangen ist. Für alle Interessierte: Abseits von Filmfestivals hat der Filmverleih Mr. Banker Films & Cargo Records die Alpen-Perle wieder ausgegraben und ungekürzt auf DVD ans Tageslicht gebracht.

„Rauchfangkehrerin? Why not?“ (Sophie Szönyi)

Von Julia Bauereiß

Die junge Filmemacherin Emma Braun (geb. 1999) präsentierte im Zuge des Diagonale Filmfestivals 2022 zum ersten Mal ihren selbst produzierten Kurzdokumentarfilm „Einblick“. In zwanzig Minuten portraitiert der 16mm Analogfilm die junge Sophie Szönyi in ihrem Beruf als Rauchfangkehrerin. Dabei werden die Zuschauenden mit an ungewöhnliche Orte getragen und können so die Stadt Wien aus einer völlig neuen Perspektive erleben. Ein ruhiges Schwarz-Weiß-Bild und das sanfte Voiceover von Sophies Stimme lassen das Berufsportrait zu einer ästhetisch-eindrucksvollen Reise werden, die zunächst harmonisch und idyllisch wirkt, doch nach einem ungeahnten Perspektivwechsel an Tiefgang gewinnt.

Das Portrait beginnt bei Nacht, wenn die Stadt noch schläft. Sophie muss als Rauchfangkehrerin schon zu einer ungewöhnlich frühen Uhrzeit aufstehen. Gerade wenn die Sonne aufgeht und die Natur erwacht, steht sie schon völlig allein bei der Station Schottentor, die untertags normalerweise von tausenden Menschen passiert wird. Mit der Bim macht sie sich auf den Weg zur Arbeitsstelle, wo sie ihre Dienstkleidung anlegt, um im nächsten Moment über den Dächern von Wien der Stadt beim Aufwachen zuzusehen. Mit intimen schwarz-weißen Panorama- und Detailaufnahmen begleitet der Film so die Arbeit der jungen Rauchfangkehrerin Sophie. Es sind einfache Aufnahmen, wie Sophie eine Leiter erklimmt, eine Luke öffnet oder ihr Werkzeug einsetzt. Doch gerade in Verbindung mit der weitreichenden Kulisse wirken diese besonders eindrucksvoll. Durch die gekonnte Platzierung der Kamera, hervorragend gewählte Einstellungsgrößen und Sophies routinierte, fast meditative Arbeitsweise werden Harmonie und Ruhe erzeugt, sodass der Film beinahe romantisch wirken könnte. Damit die Prozesse nicht zu verträumt erscheinen, entschied sich die Macherin Braun gezielt für einen Schwarz-Weiß-Film. Dieser verleiht den Aufnahmen eine gewisse Zeitlosigkeit und wirkt auch passend für den Beruf der Kaminkehrerin. 

Wieso eigentlich ein Portrait über eine Rauchfangkehrerin und wie kam die junge Protagonistin zu dieser Arbeit? Gerade handwerkliche Tätigkeiten werden überwiegend von Männern dominiert, so auch die des*der Rauchfangkehrer*in^[1], welche zusätzlich noch sehr selten ausgeübt wird. Diese Frage kam auch im Anschlussdiskurs bei der Diagonale mit der Filmemacherin und der Protagonistin auf. Braun lernte Szönyi zufällig kennen und empfand dieses alte Handwerk auch als sehr ungewöhnlich. Szönyi selbst wollte nach der Matura weg von der schulischen Theorie und hin zur Praxis, so hörte sie sich um und fand eben jenen Beruf. Nach reiflicher Überlegung, dachte sie sich schließlich „Rauchfangkehrerin? Why Not?“, wie sie selbst in der Anschlussdiskussion des Films erklärte. Welche Herausforderungen, Erfahrungen und Eindrücke sie gerade als Frau in diesem Beruf erleben würde, wusste sie wohl zuerst auch nicht. Eben diese erzählt sie jetzt sehr nachfühlbar und authentisch im Voiceover von Brauns Film.

Neben der faszinierenden Bildästhetik wird die Handlung des Films erst mit Sophies Erzählungen deutlich. Sie beschreibt mit ihrer ruhigen und sanften Stimme nicht nur ihre Arbeit, sondern offenbart auch viele Eindrücke und Gedanken, die sie oft dabei beschäftigen. Dies eröffnet schließlich die neue Perspektive des Films. Sophie schildert auf ehrliche und authentische Weise ihre häufig negativen Gefühle und Erlebnisse, die ihr als Frau in diesem Beruf untergekommen sind. So verhalten sich manche Personen beim Erscheinen einer unüblicherweise jungen Rauchfangkehrerin aufdringlich oder anzüglich. Auch zu viel Körperkontakt in den Wohnungen der fremden Personen, lösen bei Sophie Unbehagen aus. Auf Grund des Mythos, Rauchfangkehrer*innen seinen Glücksbringer, wollen Menschen häufig die Knöpfe von Sophies Jacke berühren, damit das Glück auf sie überspringt. Allerdings möchte sie das nicht, doch weiß sie häufig nicht wie sie reagieren soll. Oft stellt Sophie auch fest, dass gerade Männer ihr häufig Hilfe beim Tragen schwerer Dinge oder bei der Ausführung ihrer Arbeit anbieten. Diese möglicherweise freundlich gemeinte Akt, lässt Sophie jedoch ihre Kompetenzen hinterfragen. So fühlt sie sich schnell nicht ernst genommen, nicht vertrauenswürdig oder gar überflüssig. Durch die wiederkehrenden Hilfsangebote der ungelernten Personen, wird Sophie als kompetente und gelernte Fachkraft dieses Handwerks automatisch herabgewürdigt. Gerade seit Sophie allein arbeitet, bemerkt sie häufiger dieses Gefühl von Unbehagen. Sie bricht hier eindeutig die Norm des stereotypischen männlichen Handwerkers. Der Film zeigt sehr gut, dass Weiblichkeit wohl nach wie vor mit Schwäche assoziiert wird. Dies wird deutlich, da sich einige Personen gegenüber Sophie merklich anders verhalten, als sie es gegenüber einem männlichen Kollegen tun würden, wie die Zuschauenden aus ihren ergreifenden Erzählungen erfahren. 

Wer hier nur ein stumpfes Berufsportrait mit ästhetischen Bildern erwartet hat, wird in diesem 20-minütigen Kurzdokumentarfilm allemal überrascht. Erstaunlich tief, emotional und authentisch schafft es der Film die Problematik „Frauen in Männerberufen/ Frauen im Handwerk“ zu beleuchten und die Zuschauenden zu berühren. 

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^[1] Im Zuge dessen, eine kleine Nebensächlichkeit: Word scheint ebenfalls nur die männliche Schreibweise dieser Berufsbezeichnung zu kennen